Ça y est ! Monumenta opus 2 a ouvert ses portes depuis
plus de 15 jours. C’est au Grand Palais et c’est monumental. Après Anselme
Kieffer, et avant Christian Boltanski, c’est Richard Serra qui s’y colle… à
travers un exercice très personnel de création dans et POUR le Grand Palais. Un
mois d’événement autour de 5 stèles gigantesques minimalistes du sculpteur
américain. Une œuvre qui propose une expérience de l’espace. Une installation
au nom de promenade. Une expérience à vivre… 
Monumenta 2008
à Paris au Grand Palais jusqu’au 15 juin www.monumenta.com
Et jusqu’au 3 novembre dans le Jardin de Tuileries voir Clara-Clara sculpture réinstallée pour la première fois sur son site d’origine depuis 1983.
L’Art, ses amateurs, son
petit monde ou même l’institution Palais de Tokyo ne semblent pas se porter
mieux, ou moins bien, depuis !… Pourtant l’ensemble de la presse spécialisée y
ait allé de ses : notre point sur la polémique
Gréaud. Mais quelle polémique ?
Pourtant, cette
magicienne des langages se fourvoie dans les langues, celle de sa fiction. Car
même sous titré en anglais, Where is where qui met en scène une historienne
nordique dans sa recherche sur la guerre d’Algérie, peut désorienter des
puristes lorsque les algériens et les parachutistes français s’expriment
uniformément en finnois. Mais est-ce que ça gène réellement ? 
Vous me direz l’artiste ne doit s’encombrer de ça ! Et je
répondrais : soit ! Car la magie des images de Eijà-Liisa Ahtila et
la pureté de son discours tant vidéographique (la vidéo sur la mort de son
chien) que sculptural (les maisons en modèle réduit), et photographique qui
relie tout ça, sont autant d’instants de sincérité et d’intimité qui nous sont
offerts sans le moindre mensonge. L’artiste est là, sa vie est à l’origine de
ses œuvres. Sa vie est son œuvre. Et cette histoire de finlandais universel
cache pourtant une maladresse, celle d’un pays où tout le monde parle anglais
et finnois et qui ne pense pas forcément à l’exotisme de l’exception culturelle
française.
Il appliqua son idée et s’imposa en
créant une marque, une signature, une institution, un copyright interdit de
photographie : on ne peut pas faire d’image dans cette expo d’image !!?.
Refuser le droit de reproduction à l’art
de la reproduction, voilà bien un truc américain. D’ailleurs, le droit, le
droit toujours le droit !! Heureusement que le maître Steichen n’en a jamais
fait cas de son vivant, laissant l’affaire à ses (riches) héritiers, à sa
fondation à son marché. Heureusement, car son art ne serait jamais né. Edward
J.Steichen c’est la liberté, l’innovation, la créativité et un combat constant
contre l’obscurantisme mercantile US. En 1928, ne serra-t-il pas le grand
témoin à décharge de Constantin Brancusi dans son procès contre les Etats
Unis ! ?? C’est là qu’Utralab intervient comme "un chien dans un jeu de
quilles" dirait-on par un travail à la fois virtuel et factuel pour ne pas dire
actuel. Virtuel à travers : L’île de Paradis (version
1.15) sous titré "voyage au milieu du temps". Œuvre
qui nous plonge dans l’univers d’un jeu vidéo au sein d’un Jeu de Paume
reconstitué en terrain d’aventure. En effet jouant sur un effet
d’extérieur/intérieur, à travers l’espace virtuel, les salles du Jeu de Paume
deviennent des mers, des îles, des catacombes, des cimetières et le joueur à
l’intérieur du dehors explore ainsi un univers parallèle au Musée.
Lorsque François Pinault revient en
France avec SA Collection c’est pour nous éduquer (FNAC oblige !) et nous
vendre une certaine idée de l’art contemporain (merchandising quand tu nous
tiens !) dont celui de sa collection (visionnaire ?) Passage du temps.
Alors comme l’annonce la sculpture lumineuse de Tim Noble,
Forever , on ne se change pas ! Et le super marché
d’images que nous offre Pinault et Caroline Bourgeois, la commissaire de ce
luna-park de la création contemporaine, est un labyrinthe d’images en
mouvement, images fortes surlignées de questions métaphysiques… censées lier
entre eux des artistes qui bien souvent n’ont rien à voir …si ce n’est leur
mécène FP himself. Bilan : Passage du temps présente beaucoup
d’Américains, peu de Français historiques, des pièces mythiques (Body
press de Dan Graham), de la photo dont Cindy Sherman et Gilbert &
Georges, de la mise en scène et des créateurs qui malheureusement se
neutralisent entre eux. 
Mais cette exposition
touffue sur trois étages de l’immeuble du "tri postal", présente de vraies
perles, dont les installations de Bill Viola et Gary Hill. Passage du
temps est d’ailleurs à l’image de la pièce de Gary Hill. Comme
Midnight Crossing, elle nous en met plein la vue. Et cet
aveuglement nous fait croire à une réflexion sur l’image qui va ou vient de
disparaître, mais sans nous apporter plus qu’un spectacle. 
Mais
écoutons Midnight Crossing : Dans l’obscurité la plus
opaque, une image en mouvement naît de la nuit. Soudain, lorsque notre œil
commence à percevoir l’écran,et le sens de cette apparition, le son surgit
générant un vif éclairage qui efface toute velléité d’image pour ne laisser à
voir que l’écran blanc et sa structure d’acier aveuglant. Puis la voix se tait.
Et tout retombe dans la nuit d’où émerge lentement une nouvelle "non-image",
jusqu’à ce que la voix revienne éclairer, le dispositif, effacer l’image, par
un son qui violente un spectateur bercé par l’apparition naissante de l’image.
En somme Passage du temps est aussi une non-image, un non-événement. Car si
François Pinault ouvre au peuple Français un coin de sa collection mythique
(elle a fait couler beaucoup d’encre autour de l’île Seguin), il est certain
qu’un tel déchaînement de murs d’images ne peut avoir été acquis pour un usage
personnel (qui peut exposer de telles images dans son intérieur ?). Et là, on
en vient à se demander si la collection de François Pinault n’est pas plus
qu’une simple collection ? Mais un rassemblement qui va bien plus loin
dans la spéculation et la muséographie. Oui Passage du temps fait œuvre (à la
place de qui ?) de mission culturelle à l’image de l’égocentrisme de notre self
made man frenchi. 
Seul bémol, cette exposition merveilleuse
devrait être entièrement gratuite, (pour les pouvoirs publics comme pour les
visiteurs). Car, suite à son faux-pas américain, François Pinault nous devait
bien ce travail muséographique… un simple petit travail d’intérêt général pour
celui qui a laissé les français payer à sa place. Du grand art pour notre "Doge
de l’art contemporain" !
Bien sûr
l’animalité est tendance, et la bestialité souvent d’actualité. Bien sûr,
beaucoup d’artistes (des naturalistes aux conceptuels, de
Buffon à Beuys) ont inclus l’animal dans leur
œuvre. Et, bien sûr, sensibiliser le public sur nos rapports avec les autres
formes de vies animales est toujours intéressant. Mais pourquoi avoir imaginé
un tel Barnum ? Alors, on déambule, au gré des œuvres et des audiovisuels
qu’on zappe impatients d’arriver vers l’animal qu’on sent roder. Et dans cette
course, on rencontre des vraies perles : les expérimentations
d’Art Orienté Objet (Marion Laval-Jeantet & Benoît
Mangin), où l’homme, l’artiste, l’œuvre fait pour une fois véritablement face à
l’animal. Anne Ferrer dont les carcasses cousues mains, font
un « effet bœuf ». Alain Séchas, dont le chat sculpture
s’élève comme un Totem. Rebecca Horn qui donne une seconde vie
mécanique à un bouquet de plumes, etc, etc. Et il serait trop long de citer
tous les créateurs contemporains de génie invoqués au dieu animal… 
Et puis, dans
ce dédale de tipis post-modernes imaginés par le scénographe, l’architecte
Patrick Bouchain lui-même, on arrive là où le plus de
spectateurs tombent en arrêt. Car ce ne sont pas les œuvres d’art qui arrêtent
ce public, qu’il soit spécialiste ou pas, c’est la vie. Et c’est devant la vie
de ces bêtes, vrais invités en résidence sur cette exposition, que les
visiteurs se repaissent d’émotions. Les Hommes font enfin,
face aux Bêtes : à la joie des Loutres
d’Europe dans leur bassin, à la sérénité des Vautours
Fauves sur leurs poteaux, au flegme des Iguanes verts, à la joie du
Mainate Religieux, au sautillement de L’Outarde
Canepetière et au stress Hitchcockien des Corneilles
Noires. Un face à face final, point d’orgue d’une exposition, qui
soulage le grand public et déroute les pros de l’art contemporain blasés de
culture, eux aussi scotché par cette vie animal qui « entre au
musée » pour être enfin savourée jusqu’au 20 janvier 2008… avant de
disparaître à jamais ! belle preuve de la bêtise des hommes.
Mais parcourons aussi avec Élodie
Lécuiller les autres noms remarquables qui font encore vibrer Venise jusqu’au
21 novembre.
Mais ne soyons pas cyniques ; parmi la multitude de propositions certaines
restent excellentes et très pertinentes. Telle, la salle consacrée à
Francis Alÿs et son boléro. Ou Make America
Strong de Francesco Vezzoli qui est bien sûr une des
pièces qui capte le plus, et fonctionne par sa facilité certes, mais aussi avec
le décalage des acteurs. (Il faut bien avouer que Sharon Stone porte divinement
le col Courrège…) 
Mais la participation la plus fraîche et
la plus honnête nous vient du pavillon Roumain. Car la légèreté des dessins de
Dan Perjovschi nous ramène à une vérité sans fards. Les autres
stands apparaissant alors perclus d’artifices et d’anecdotes sans objets…à
l’image de cette exposition, qui reste la trop propre carte artistique
contemporaine… vue de Venise. EL
Élodie Lécuiller nous propose un face à face avec les oeuvres exposées
cette année en Allemagne : correspondance… regard d’artiste ?
Car, malgré la rigidité
apparente, un grand anticonformisme s’émane de ce rassemblement où les
créations paraissent moins accessibles, mais très fraîches par leur
sincérité : la prise de risque est bien plus présente par le simple
rapport affectif. Particulièrement dans la Neue galerie grâce aux
dessins contrastés d’Annie Pootoogook, les photos reprise de
Louise Lawler, les collages de C.K Rajan, ou
encore les dessins d’enfants de Peter Friedl. Certes les
rapprochements sont parfois trop formels, et la trop grande attention vers
l’Est peut elle aussi nous déconcerter, mais le rapport à l’affect nous rend
cette sélection indiscutable. Car la confrontation aux différentes époques des
trois questions que pose cette Documenta 12, la première sur l’Antiquité, nous
offrent une réflexion par réminiscence. Ça sent le vieux, et ça sent bon !
Laissez-vous aller à la complaisance de l’attachement même si c’est un i-pod
rouge coquelicot,(audioguide en accord avec l’installation de Sanja
Ivekovic sur la Friedrichsplatz,) et non les frères Grimm qui vous
content, bien mieux et en anglais, les motivations de cette sélection 2007.
Ainsi votre perception ne perdra rien en finesse, car c’est intelligence de se
risquer à dire : « que l’on sent et que l’on aime ! » EL
Il est urgent de visiter la magnifique
exposition organisée à Paris par la Délégation aux Arts Plastiques du ministère
de la Culture au Grand Palais et le commissaire José Alvarez (cf.photo).
Car malheureusement, nous ne
sommes pas près de voir l’art d’Anselme Kieffer exposé avec autant d’ampleur…
et Sternenfall (Chute d’étoiles) fermera ses portes
le 8 juillet. C’est la claque ! Pour les aficionados comme pour les
novices, découvrir l’art de Kieffer dans un tel état est grandiose. Bien sûr
cet artiste Allemand, né en 1945 et installé en France (à Barjac depuis les
années 70), est un atypique du monde de l’art, géant autant par ces sujets que
ses sources d’inspiration poétiques et/ou historiques, que par la force de ses
œuvres. 
Les sculptures de tours en béton armé,
entassement de Bunkers, appellent à la fois César et Chirico, et ces toiles en
trois dimensions qui chaque fois s’abritent dans 7 gigantesques maisons d’acier
nous font supporter le poids d’une Histoire d’où l’homme n’est que futilité
face à la folie et l’horreur. 
Ironie du sort la première
fois que Kieffer fut exposé à Paris est la même année où il se retrouva à la
Documenta. Et de la Documenta… à Monumenta !, la
boucle est bouclée, tant pour Anselme Kieffer que pour les organisateurs de
cette Monumenta 07, événement qui sur les traces des grands événements
artistiques internationaux, tente de placer la marque
Monumenta comme un rendez-vous incontournable de
l’Art contemporain. Et ce, en proposant aux plus grands artistes internationaux
(Richard Serra et Christian Boltanski sont programmés) l’écrin du Grand Palais.
Nonobstant l’effort pédagogique que la DAP (et son gélégué Olivier Kaeppelin)
entretient autour de Monumenta 07 (Médiateurs, Audioguides, Site
internet, activitées pédagogiques, conférences et autres ateliers) on espère
que ces Monumenta(s) feront l’objet de traces (DVD, catalogues, etc…) à la
hauteur d’une exposition à visiter… de toute URGENCE.