Passages Clandestins, rétrospective choisie d’Alain Fleischer jusqu’au 31 décembre au Centre Des Arts d’Enghien les Bains, renseignements www.CDA95.fr
Passages Clandestins est l’exposition qui “réconcilie” les
deux faces d’Alain Fleischer. L’écrivain et le plasticien
rassemblés dans une exposition qui aurait aussi dû affirmer les espaces
d’exposition du Centre des Arts d’Enghein-les-Bains à travers une vraie
méta-curation pourtant juste suggérée. Pourtant il semble urgent de se plonger
dans cette exposition rétro-futuriste où nous sont révélés les passages de
l'art clandestin d'une œuvre essentielle. 
C’est seulement en entrant dans les trente pages de la nouvelle éponyme qui introduit le magnifique catalogue de Passages clandestins que le spectateur du Centre Des Arts d’Enghien les Bains va comprendre, après coup, la subtilité de l’homme Alain Fleischer et de l’exposition qui associe ses Passages Clandestins de créateur protéiforme. Passages qui ne sont non moins que les errances d’une vie d’artiste, de créateur et d’homme fasciné par l’image mécanique. Errances artistiques d’un Homme à la Caméra (au sens francophone et anglophone du terme), photographe et cinéaste visionnaire qui devint écrivain par nécessité, celle de tenir la barre du projet pédagogique artistique le plus ambitieux de ce passage de siècle : Le Fresnoy, d’un homme précurseur d’une certaine idée du dialogue de l’art et des technologies numériques contemporaines.
Passages Clandestins est une exposition qui regroupe des travaux anciens d’Alain Fleischer réactualisés (les projecteurs 16mm ont été remplacés par des vidéo-projecteurs numériques) et des travaux récents de ce plasticiens/cinéaste condamné depuis 20 ans à conduire une école et à concentrer sa création sur l’écriture. Mais comme dans tous les contes de fées le sort tombe et le héros renait. Et c’est ce que semble nous promettre Alain Fleischer avec cette exposition (et ce qu’il nous confirme dans son entretien à lire ci dessous). Le Fleischer cinéaste revient et cette exposition en est peut-être le plus beau des scénarios.
Dans ce paysage, la plasticienne française ORLAN est
une de ces icônes vivantes. Elle propose aujourd'hui une exposition multiple de
son œuvre vidéo. Une exposition "sur clé USB" capable de voyager aux 4 coins du
monde. La première de ces étapes vidéographique eut lieu cet été en France au
centre d'art le LAIT (acronyme de Laboratoire Artistique International du Tarn)
d'Albi. Le voyage s'est ensuite poursuivi cet automne au CDA d'Enghein les
Bains (près de Paris) avec une suite au Centre d'art contemporain BOLIT de
Gérone en Catalogne puis au Sungkok Museum de Séoul en Corée du Sud.__
Victime du SIDA, il nous a pourtant légué un
travail si novateur qu'on 'imagine sans mal comment cet art aurait tenu sa
place aujourd'hui. Comment il aurait pu s'emparer des nouveaux medias et de cet
espace public fou, spéculatif, interactif, underground et transversal qu'est
internet. Comment il aurait pu changer singulièrement l'art et notre façon
d'appréhender la vie.... Mais tout ça n'est que spéculations, et il nous
aujourd'hui reste cette exposition a deux versants, œuvre testamentaires qui
nous montre la voie. Une œuvre qui fait exemple… 
Car la
"peinture" de Keith Haring arrive toujours à marier les extrêmes. Qu'il
intervienne dans la rue, dans le métro, dans les galeries, dans les musées,
l'art de Haring apprivoise notre œil. Ce travail obsessionnel, du croquis de
bittes au graphisme organique, les formes simples du trait de l'artiste fait
sens dans une société du signe... tel un geste politique unique.
Depuis le 11 septembre entre la 
"Sous
l'abbaye la plage !" C’est ainsi que l’on pourrait sous-titrer l’exposition
Néguentropie du sculpteur français Vincent Lamouroux. Pour ceux qui
connaissent le travail de cet élégant jeune plasticien, il reste évident que
l'espace est plus important que l'objet. Néguentropie en est la preuve !
Et pourtant ! 
La
«néguentropie», ou l’entropie négative, est «un facteur d’organisation des
systèmes physiques, sociaux et humains qui s’oppose à la tendance naturelle à
la désorganisation». Notre ami projette ainsi sans vergogne sa sculpture comme
une proposition anti-nature et sa désorganisation vivant. Pourtant il propose
une reconstruction d’une phénomène naturel : une coquille d'escargot, et
des sculptures de sable laissées au bon vouloir "naturel" des pas et des jeux
des visiteurs. Quoi de plus naturel et de moins maitrisé ! Même si les 2
types de «sculptures» créés pour Maubuisson, proposent des modèles opposés
d’organisations structurelles. La reconstitution en carton d’une gigantesque
coquille d’escargot (forme naturelle) modélisée en 3D, a été reconstituée par
l’artiste et ses assistants. Ce fossile géant dont la structure de fractales
semble pousser les murs de l’abbaye, réagit comme les deux non-sculptures qui
l’accompagne. Les 2 installations de sable qui envahissent l’abbaye jusqu’à en
noyer ses salles sous des dunes minérales sont appelées à évoluer dans le temps
des visites. De cette mer de sable, Lamouroux laisse immerger l’architecture
cistercienne telle une apparition archéologique abandonnée au temps de
l’histoire.
Mais qui, que sont ces deux
monuments ? Le premier trône sur les Champs Élysées. C’est une cathédrale
de verre qui affiche tous les records en mères carrés poutrelles, boulons et
verre. Un écrin architectural qui est depuis 2007 le décors de
Monumenta. L’autre est le trésor vivant incontestable de notre
patrimoine artistique hexagonal : Daniel Buren, artiste invité de cette
cinquième Monumenta. Le B de BMPT, mouvement qui révolutionna
l’art des années 75/80 par son minimalisme conceptuel, le Buren vilipendé par
la bourgeoisie des années 80 pour avoir « défiguré les jardins du Palais
Royal » avec SES colonnes, est devenu un artiste du pouvoir. 
Et bien sur, rien d’étonnant dans cette
collision, et ce qu’il en résulte, Buren nous a démontré tout au long d’une
carrière surprenante qu’il était LE magicien incontournable de l’espace, jouant
avec ce qui construit toute spatialité : la lumière. Après plus de 40 ans
de travail IN SITUE , que ça soit dans un parking ou au Guggenheim, à
Beaubourg ou sur une place de village provençal, la magie Buren
transfigure les espaces. Buren ré-architecture les lieux du quotidien et les
transforme en œuvre d’art dont nous somme les maillons. 
Let’s dance, est une étrange
exposition. Elle expose de la danse, des images de danse, les premières images
de jazz danse et du très jeune cinématographe. Lorsque la Cinémathèque de
la Danse propose au Fresnoy Studio National de créer un événement
autour de ces archives, son directeur, l’artiste Alain Fleischer, s’en empare
aussitôt et imagine redonner une nouvelle jeunesse à CE cinématographe qui
aujourd’hui est au carrefour de ces mutations numériques et sociétales. Alain
Fleischer est un grand artiste. Cinéaste, photographe, plasticien, écrivain,
pédagogue, il dirige une école supérieure d’art, une école particulière qui
ouvre le monde des arts au public avec un cinéma (annexe de la Cinémathèque
Française) et un lieu d’exposition qui montre de grandes choses. La dernière
exposition est mise en scène par Fleicher, est une véritable œuvre de Fleischer
, et c’est l’occasion pour nous de rencontrer ce diable d’homme. 
Entre l’image fixe et la narration, entre l’écrit et l’image en mouvement,
Fleischer manipule le sens de l’image et l’essence des mots. Comme en 2005 au
Grand Palais (avec Dans La Nuit des Images) Fleischer nous propose une
immersion totale ou le concept du mouvement, du noir et blanc et du cinéma est
totalement revisité à travers une expérience de cinéma contemporain. L’occasion
de rencontrer Alain Fleischer dans son Fresnoy, dans son cinéma et dans ses
images et de l’écouter s’expliquer avec ses mots sur le Système Fleischer, des
images et des écrans qui bougent une belle idée pour une incroyable exposition
Let’s dance !
Donc, si aucune mort n'est naturelle,
toute disparition est due à l'autre : le voisin, le cousin, l'ethnie
opposée, le sorcier vengeur, la frangine jalouse ou l'épouse
inconsolable ! ... Voilà donc un mystère Vaudou et une exposition
fascinante ! Car il est incroyable de se retrouver face à face avec ces
statues Vaudou, face à ces vecteurs de mort encagés de verre dans les sous sols
d’une Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, qui met ses pas dans
les traces de Kerchache, un Kerchache instigateur du Musée du Quai
Branly, Kerchache grand ordonnateurs du Pavillon des Sessions qui
ouvrit le Louvre aux Arts d'Afrique, Asie, d'Océanie et des Amériques, un
Kerchache, porte parole infatigable "pour que les chefs d’œuvres du monde
entier naissent libres et égaux..." un Kerchache malheureusement décédé avant
l'heure et qui revient aujourd’hui d’entre les morts pour nous proposer de
revivre avec lui son aventure au pays du Vaudou. 
C’est avec curiosité et déférence que nous pénétrons l’atelier d’Henry Moore
reconstitué pour l’occasion dans les espaces contemporaines du Musée Rodin. Car
même s’il n’est pas de la reconstitution précise d’un Atelier Brancusi (à
Beaubourg), entre essais et Maquettes, matières et sculptures monumentales, une
atmosphère de recherche et de création est perceptible, au point d’amener tous
les curieux à se pencher sur l’œuvre de monstre sacré de la sculpture moderne
trop peu connu en France (sa dernière grande expo française date de 25 ans)
qu'est Henry Moore. 
Tout commence dans cette Fondation
Pierre Bergé-Yves Saint Laurent dont le numéro postal est l’entrée d’un
garage pont de l’Alma, et l’entrée officielle cachée dans la rue
adjacente : enfin c’est dans le 16e Parisien, et des grands I phones aux
écrans bouquet de fleurs obstruent les fenêtres de cet hôtel particulier. Et
puis arrive le Marathon… l’expo est bondée de gamins et de seniors managés par
un gardien hargneux qui interdit toute prise de vue !!! « consigne de
l’artiste ! dit il !… Sans qu’aucune interdiction de photographier soit
notifiée sur les cimaises ??! Ainsi l’artiste, qui se targue d’envoyer ses
œuvres par email, par fax, par sms, par mail à SES amis (et inclut cette
reproductibilité à l'outrance dans le concept même de son travail), interdit à
SON public de photographier ses "dessins numériques" !!! ? 
A partir de là, le jeu de cache-cache
commence entre votre serviteur et le gardien bull dog, pour vous ramener
quelques instantanés du revival pop/numérique de Monsieur Hockney.
Bien sur, il y a le spectaculaire
Douglas White et son palmier en pneus usagers. ìl y a
Eve Jospin (la fille d’un ex premier ministre) dont on
oblitère le patronyme pour découvrir un travail surprenant. D’autres jeune
françaises comme Lucie Chaumont (sur les traces de
Cragg) ou Pauline Bastard (sur les traces de
Villeglé). Il y a l’historique incontournable trop tôt disparu
Gordon Matta-Clark et puis un travail a ne rater sous aucun
prétexte : celui du très jeune artiste canadien Steve
Lyons.Une suite d’œuvres fortes qui viennent enchanter un jardin
extraordinaire à découvrir de toute urgence !
Il y avait bien longtemps qu’une
exposition d’art contemporain n’avait pas suscité autant de micros et de
caméras un jour de vernissage… et autant de presse autour d'un artiste. Mais
tous étaient de sortie pour une meilleur raison, la Mairie de Paris, tutelle du
Musée d’art Moderne de la ville du même nom prenait les devants et auto
censurait la grande rétrospective Larry Clark. Certaines images du photographe
américain ne seraient pas exposées. 
La raison invoquée : une article
du code pénal assez flou pour traiter d’image pornographique n’importe qu’elle
image d’artiste un peu tendancieuse !!! Mais que vont faire les artistes s’ils
ne font pas dans le tendancieux ? De la décoration ??? 
Associé à cette censure, une
interdiction de l’exposition au moins de 18 ans venait rassurer les
associations bien-pensantes !!! Ironie du sort le photographe américain Larry
Clark travaille justement sur les rapports de la jeunesse avec le sexe, les
drogues, la mort et autres épouvantails de l’adolescence… Ironie des temps, nos
ados tous les jours plongés dans le sexe et le drame que ça soit sur internet
ou juste par la dure réalité de l’époque, ne pourrons pas voir une exposition
dont on retrouve les images dans n’importe quel catalogue de Clark et même dans
la presse hexagonale qui s’est empressée de publier les images interdites dès
que le photographe, pas content du tout, les leur a envoyé. Et puis, comment ne
pas imaginer que tout les publiques vont les admirer en consultation libre à la
librairie du musée d’art moderne de la ville de Paris. A ceci près que ces
images resteront pour nos ados interdits d’exposition des visions furtives
découvertes sous le manteau et non comme une vraie rencontre avec l’art.
Dommage !
Exposée tout l'été à
Paris, il vous reste encore 1 mois pour profiter de MUSEOGAME : une
improbable exposition, qui au sein des collections incroyables du Musée des
Arts et Métiers, emmène grands et petits qu'ils soient néophytes ou addictes du
jeux, passionnés de technologie ou technophobes, à la rencontre d'un Art
Nouveau : le Jeu Vidéo. Visitons une des rares expositions interactive, où
non seulement on peut toucher les œuvres, mais où il est fortement conseillé de
jouer avec chacune d'elle pour accéder à leur Histoire…
Visitons
donc Muséeogames une histoire à rejouer avec Charlie
Boulitreau, un jeune étudiant en jeu vidéo, qui pour larevue
découvre ce panorama rêvé de sa passion qui va devenir son métier… le JEU
VIDEO.
Chez Templon les Upright
Scultures de Caro apportent encore aujourd’hui les preuves de son soucis
de la figure. Comme avec Hight Altar qui pour 390 000 € propose un
assemblage de bois de Jarrah et de laiton…
Pierre Monestier n’est pas très connu, même si c’est sa troisième exposition à
Artgalor. Pierre Monestier c’est de la peinture sur toile, de l’huile. Pierre
Monestier c’est une peinture différente, une peinture que l’on pourrait situer
entre le Surréalisme et l’Anticipation. Des scènes de science-fiction qui
présentent un univers de formes et de personnages à part. 
Une œuvre où la couleur tient un rôle
prépondérant, réunissant humains et hybrides, figures mythologiques et
surréalistes dans des scènettes sorties de l’esprit de Monestier.
L'oeuvre permanente sur la Jeune fille de
Bordeaux montée par Christian Boltanski au CAPC (musée d'art contemporain
de la ville de Bordeaux) regroupe une collection d'objets ayant appartenu à une
jeune inconnue habitante de la capitale de la Gironde. Ici, ce qui frappe
d’abord est l'attention accordée à chacun de ces objets sur presque 17 années
(de 1973 à 1990). En effet cette multitude d'objets et bidules, qui vont du
simple courrier, en passant par les stylos et autres livres et revues, nous
impressionne autant par la cohérence et l'obstination avec laquelle ils ont été
réunis que par leurs imposantes quantités.