Daniel Buren Monumenta 2012 - Excentrique(s) Travail IN SITUE au Grand Palais, jusqu’au 12 juin
Ce 09 mai 2012 a vu deux monuments se percuter dans une gerbe d’étincelles
multicolores. De ce big-bang artistique est né Excentrique(s) travail in
situe, une œuvre néo-pop qui joue avec notre regard de curieux et le temps
(à tous les sens du terme) qui passe. 
Mais qui, que sont ces deux
monuments ? Le premier trône sur les Champs Élysées. C’est une cathédrale
de verre qui affiche tous les records en mères carrés poutrelles, boulons et
verre. Un écrin architectural qui est depuis 2007 le décors de
Monumenta. L’autre est le trésor vivant incontestable de notre
patrimoine artistique hexagonal : Daniel Buren, artiste invité de cette
cinquième Monumenta. Le B de BMPT, mouvement qui révolutionna
l’art des années 75/80 par son minimalisme conceptuel, le Buren vilipendé par
la bourgeoisie des années 80 pour avoir « défiguré les jardins du Palais
Royal » avec SES colonnes, est devenu un artiste du pouvoir. 
Et bien sur, rien d’étonnant dans cette
collision, et ce qu’il en résulte, Buren nous a démontré tout au long d’une
carrière surprenante qu’il était LE magicien incontournable de l’espace, jouant
avec ce qui construit toute spatialité : la lumière. Après plus de 40 ans
de travail IN SITUE , que ça soit dans un parking ou au Guggenheim, à
Beaubourg ou sur une place de village provençal, la magie Buren
transfigure les espaces. Buren ré-architecture les lieux du quotidien et les
transforme en œuvre d’art dont nous somme les maillons. 
Opération Opération joue à la fois
sur le temps du geste de ses visiteurs-acteurs et le mouvement des images
numériques mis en scène par l’artiste. Cette exposition de Samuel Bianchini au
cœur du Marais (on se rappelle il y a si longtemps une précédentes exposition
avec la défunte galerie Numéris Causa) présente 3 pièces historique de
la jeune œuvre de 
Car, si l’image, la projection et la confrontation active du spectateur à
l’œuvre est une constante chez Bianchini, Qui-vive, arrive comme un
ovni.
Les Docks de Paris, le Port de
Saint-Nazaire, Le Musée du Quai Branly et bientôt le Louvre d’Abu Dhabi, tout
le monde connaît Yann Kersalé. Sorte d’éclaireur de génie, il intervient depuis
près de 40 ans sur l’espace urbain et architectural en tant que chercheur de
lumière. Il travaille la nuit, redessine les friches et les ouvrages d’art,
reconstruit les grandes architectures, remodèle nos horizons. Fidèle à ces
racines bretonnes il contredit ses commanditaire en leur apportant un
supplément d’âme, un supplément de visibilité et d’extraordinaire. Chose rare,
Kersalé expose et donne à voire ses expériences nocturnes en plein jour dans
l’Espace Fondation EDF.
Let’s dance, est une étrange
exposition. Elle expose de la danse, des images de danse, les premières images
de jazz danse et du très jeune cinématographe. Lorsque la Cinémathèque de
la Danse propose au Fresnoy Studio National de créer un événement
autour de ces archives, son directeur, l’artiste Alain Fleischer, s’en empare
aussitôt et imagine redonner une nouvelle jeunesse à CE cinématographe qui
aujourd’hui est au carrefour de ces mutations numériques et sociétales. Alain
Fleischer est un grand artiste. Cinéaste, photographe, plasticien, écrivain,
pédagogue, il dirige une école supérieure d’art, une école particulière qui
ouvre le monde des arts au public avec un cinéma (annexe de la Cinémathèque
Française) et un lieu d’exposition qui montre de grandes choses. La dernière
exposition est mise en scène par Fleicher, est une véritable œuvre de Fleischer
, et c’est l’occasion pour nous de rencontrer ce diable d’homme. 
Entre l’image fixe et la narration, entre l’écrit et l’image en mouvement,
Fleischer manipule le sens de l’image et l’essence des mots. Comme en 2005 au
Grand Palais (avec Dans La Nuit des Images) Fleischer nous propose une
immersion totale ou le concept du mouvement, du noir et blanc et du cinéma est
totalement revisité à travers une expérience de cinéma contemporain. L’occasion
de rencontrer Alain Fleischer dans son Fresnoy, dans son cinéma et dans ses
images et de l’écouter s’expliquer avec ses mots sur le Système Fleischer, des
images et des écrans qui bougent une belle idée pour une incroyable exposition
Let’s dance !
Depuis un mois le Musée du Quai Branly propose aux promeneurs des
quais de seine une biennale à ciel ouvert. Une exposition en plein air qui est
en train de devenir une véritable institution c'est Photoquai. Il est
italien et lauréat de la seconde édition du Prix Carmignac Gestion du
Photojournalisme. Son terrain de jeu le Pakistan et ses montagnes et une
vallée abandonnée de tous, la vallée de SWAT c'est le jeune Massimo Berruti.
Topographies de guerre est une exposition étrange et comme un
manifeste à la Jouannais observe les séquelles de la folie des hommes :
c'est beau la guerre. Et si vous avez du mal à choisir… il reste Paris
Photo !
Paris est une
fête pour la création contemporaine l’espace d’une petite semaine où tout le
petit milieu de l’art est sur le pont. Mais si trop de marché peut tuer le
Marché, trop d’art tue l’Art. Enfin comment peut-on aller à la rencontre
d’autant de créateurs en si peu de temps !?? En effet devant la foultitude des
œuvres à vendre on s’aperçoit vite que cet « art shopping festival »
est un peu décalé face au travail de chacun de ces artistes, artisans d’une
création vitale. Artistes qui se retrouvent obligés de parader devant leurs
acheteurs potentiels. VRP en représentations devant les VIP et la presse qui
accourent sur cette grande foire. Artistes en compétition directe, vendus
presque à la crié dans ce gigantesque marché couvert que devient le Grand
Palais l’espace d’une semaine. « Il faut battre des records ! »,
« attirer l’argent », « profiter du malaise des bourses et de la
stagnation de la pierre ! … ». ll faut vendre l’art « comme valeur
refuge ».
Cet Art,
refuge des grands explorateurs atypiques et singulier de notre société
mondialisé, devient aujourd’hui plus que jamais la valeur refuge du grand
capital en plein désarroi. C’est dans l’ai de la FIAC. On se bouscule, c’est le
grand déballage. On n’est plus collectionneur, mais investisseur. On n’est plus
amateur d’art, mais spéculateur d’art. On n’est plus aventurier de l’art mais
actionnaire d’une œuvre et on parie sur des artistes comme sur des chevaux de
course.
Il faut en mettre plein la vue à ses
amis et relations, il faut se concocter un environnement à la hauteur d’une
œuvre d’art. Alors tels des décors de cinéma, 12 « décorateurs
stars » vont créer des univers oniriques, sortes de cabinets de curiosités
éphémères.
Ce qui frappe, lorsque l’on pénètre le
musée atelier de Ossip Zadkin au cœur de Montparnasse, c’est comment l’œuvre
d’une artiste du 21ième siècle peut rentrer en totale résonnance avec celle
d’un sculpteur russe (1890-1967) installé à Paris depuis les années 1910. Et
cette « introspective » de Frédérique Lucien devient une vraie fête
où le musée et sa collection permanente à la gloire de Zadkin révèlent
« l’évolution sensible du vocabulaire des formes de l’artiste (Frédérique
Lucien) vers d’infinies ouvertures. Le (son) dessin de la ligne – dans ses
va-et-vient vers la forme et le volume – conduit en permanence sa démarche,
tout comme son rapport à l’espace et au temps, fait partie intégrale de son
processus de création ». 
Voir Rodin avec Beuys, Rodin avec
Brancusi, Rodin avec Twombly, Rodin avec Giacometti, Rodin avec Dubuffet, Rodin
avec Fontana, Arp, Caro, Duchamp, Broodthaers, Fautrier, Serra ou De Kooning
semblait évident, mais avec Douglas Gordon, Ugo Rondinonne, Urs Fischer, Bruce
Nauman, ou Sophie Ristelhueber, c’est une autre histoire. Une histoire
surprenante que nous raconte cette exposition où se télescopent artistiquement
les œuvres du Musée Rodin et du centre Georges Pompidou… un beau voyage !
Dans la course conjoncturelle de la création contemporaine et d’un marché de
l’art mondialisé, une chose est certaine : ce sont les pas du créateur du
« ready made » et de l’art conceptuel, Marcel Duchamp, qui mènent le
monde de l’art d’aujourd’hui. Et lorsque l’on observe les jeunes artistes qui
scrutent les mutations de leurs temps et les technologies nouvelles qui les
engagent, on constate que le conceptuel reste le maître étalon. Qu’ils
travaillent sur les réalités virtuelles, l’interactivité, le web ou l’immersion
physique des spectateurs dans leurs univers, ou sur le dernier espace public
abordés par beaucoup d'artistes : celui des réseaux sociaux, les créateurs
de ce début de 21ième siècle se retrouvent tous face au problème du marché.
Comment vendre du virtuel ? Comment contraindre à son art le hard et le
soft dans le temps du collectionneur ? En deux mots, comment assurer la
maintenance de ces œuvres complexes car vivantes (en constante
transformation) ?
Cette exposition monographique nous
propose depuis mi mai dans les salles du Musée d’Art Moderne de la Ville de
Paris, une vision kaléidoscopique sur « un peintre majeur de la scène
contemporaine française ». C’est ainsi une longue déambulation que nous
proposent Fabrice Hergott (le directeur du musée) et Julia
Garimorth (la commissaire de l’exposition) : plus de quarante œuvres
peintes grands format ainsi qu’une sélection de pièces sur papier qui retracent
le parcours pictural de cet artistes ; des gouaches, des dessins, des
lavis, des lithographies et surtout des collages qui nous donnent les
véritables clés pour entrer dans une œuvre qui se construisit dès les années
quatre-vingt jusqu’à devenir incontournable.
Monographie Maurice
Benayoun 30€ nouvelles éditions SCALA The-Dump, 207 hypothèses pour un
passage à l'Act 26€ FyP éditions
Par ces deux expositions à Enghien les bains il
propose à la fois à la Médiathèque Georges Sand son travail le plus
ancien : la série les 
Pour observer cet art nouveau (qui n’est
pas si nouveau que ça, mais rarement effectué de cette façon… on peut
d’ailleurs citer l’ouvrage Œuvres du regretté Edouard Levé). Il faut
partir d’aujourd’hui de ces expositions et de la Publication de la première
monographie de cet artiste “Open Art 1980-2010” et faire un grand retour
écart.
Maintenant, entrons dans Monumenta
2011. Pénétrons Leviathan, l’oeuvre monumentale de Kapoor qui
épouse le Grand Palais. Tout d’abord un seul regret : ne pas entrer DANS
l’oeuvre avant d’entrer dans Monumenta ! Je m’explique :
Leviathan est une gigantesque “chaussette”, baleine échouée qui rentre
en totale résonance avec la structure des trois halls du Grand Palais. Or, le
visiteur est dirigé directement dans le grand palais afin qu’il mesure sa
misérable carcasse à la monumentale sculpture caoutchoutée qui fait écho avec
les 35m de haut et les 13000 m2 de cette architecture Art Nouveau.
Alors c’est beau, c’est grand, c’est
majestueux, c’est époustouflant, c’est grandiose, c’est lumineux, c’est
monumental. On fait le tour de l’animal, on se confronte à sa carcasse qui
absorbe et renvois admirablement la lumière de la nef et du dôme de ce fleuron
de l’architecture française. Et tout ça est très beau, une belle structure dont
les reflets de la structure sphérique n’est pas sans faire penser (le kitch en
moins) les ballons baudruches pop de Jeff Koons, jusqu’à ce qu’on remarque que
cette “chaussette” gonflée à un ventre pénétrable, visitable et accessible (en
faisant une queue plus ou moins longue). Et là, un autre voyage
commence…
Donc, si aucune mort n'est naturelle,
toute disparition est due à l'autre : le voisin, le cousin, l'ethnie
opposée, le sorcier vengeur, la frangine jalouse ou l'épouse
inconsolable ! ... Voilà donc un mystère Vaudou et une exposition
fascinante ! Car il est incroyable de se retrouver face à face avec ces
statues Vaudou, face à ces vecteurs de mort encagés de verre dans les sous sols
d’une Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, qui met ses pas dans
les traces de Kerchache, un Kerchache instigateur du Musée du Quai
Branly, Kerchache grand ordonnateurs du Pavillon des Sessions qui
ouvrit le Louvre aux Arts d'Afrique, Asie, d'Océanie et des Amériques, un
Kerchache, porte parole infatigable "pour que les chefs d’œuvres du monde
entier naissent libres et égaux..." un Kerchache malheureusement décédé avant
l'heure et qui revient aujourd’hui d’entre les morts pour nous proposer de
revivre avec lui son aventure au pays du Vaudou. 
En observant le travail de sculpture et
de gravure de Dennis Nona, une seule question se pose : à partir de quel
moment l'art ethnique est il une création contemporaine ? Bien sur tout
art d'aujourd'hui qu'il soit artisanal, ethnique, urbain, brut ou
institutionnel devrait porter cette appellation d'art contemporain. Pourtant de
subtiles catégories sont tous les jours tracées pour faire de l'art
traditionnel (qu'il soit ethnique ou artisanal) un sous art contemporain. C'est
là que Dennis Nona transcende les frontières établies par le monde de l'art,
donne un joyeux coup de pied dans les catégories établies et réussit le tour de
force de porter ses racines aborigènes et maories du détroit de Torres
au Panthéon des créations contemporaines de ce début de troisième millénaire.
